Mi lectura de "La Originalidad de la Vanguardia y otros mitos modernos" de Rosalind Krauss

La comprensión y el estudio del arte tal y como era conocido antes del siglo xx ha cambiado, existe una diferencia entre lo que persigue la historia del arte, más preocupada por la autoría y el origen de la obra, basada en una tendencia más historicista, y los fines de la crítica, más preocupada por el método. De todas formas, la complementación no sólo es loable, sino también necesaria. Creo que en el arte es imprescindible  poder relacionar los diferentes períodos con sus predecesores y sus antecesores; entiendo que la aparición de las Vanguardias, aunque rupturista, no es posible explicarla sin todo un proceso evolutivo anterior seguido por autores y tendencias, a su vez enmarcado por un contexto político, social, económico y cultural concreto de una época. Por tanto, digo sí al estructuralismo propio de la historia del arte, aunque haya que poder flexibilizar nuestros discursos ante el Arte Contemporáneo y su evolución vertiginosa, y tan diferente, en cuanto a su concepción con respecto a todo lo anterior. En relación con los estudios de arte es necesario asociar el pensamiento de Dilthey sobre qué metodología es preciso aplicar a lo que el denomina  las ciencias culturales, o mejor dicho cual de ellas debe quedar al margen en su aplicación. En concreto se refiere al positivismo, y la inaplicabilidad de la causalidad de la metodología científica a las valoraciones a realizar en el arte. No estoy del todo de acuerdo con esta afirmación, es decir, la historia del arte se tiene que regir por metodologías de carácter racional y científico, pero lo que si es cierto también es que debido a las peculiaridades del arte no es suficiente con conocer las causas de las diferentes manifestaciones artísticas, sino que es necesario conocer su funcionalidad en un contexto más amplio.

La finalidad de las Vanguardias es la consecución del alejamiento de la realidad, la huida de lo aparente, el desprecio del mundo sensible que nos rodea, se desecha la mímesis, por ello, es una de las notas que destacaría de las diferentes corrientes vanguardistas del siglo xx. A pesar de los diferentes autores existentes, de diferentes estilos, plasmados con distintas técnicas y materiales, así como mediante la utilización de distintas artes, como fotografía, cine, video, pintura, escultura, arquitectura y literatura, lo central es la búsqueda, bajo diferentes denominaciones, de lo absoluto, de lo racional, e incluso de lo inconsciente, pero en ningún caso de lo visible entendido como una copia. En algunos casos se busca la verdad de las cosas, no en su aspecto real, sino en la razón humana, lo que supone el regreso a una especial metafísica de las cosas, mientras que en otros se prima la imaginación y lo inconsciente propio del surrealismo.  Considero que esta huida hacia delante de las Vanguardias, y su desprecio por todo lo hecho hasta ese momento, no es justo del todo, es decir, aunque su idea es la ruptura, la pretensión de crear un arte autónomo, todo esto no hubiera sido posible, ni podría ser entendido, sin ese proceso evolutivo que ha seguido el Hombre desde el arte Paleolítico hasta llegar a un punto de madurez conseguido gracias a la evolución del pensamiento humano. Esto ha permitido que haya habido autores que han estado en disposición de experimentar racionalmente otras posibilidades a las existentes hasta ese momento. Lo veo como un claro ejemplo de lo que es capaz la inteligencia humana, es decir, que nos faculta a poder superar la realidad circundante, y así acceder a otra realidad no mimética basada en lo racional o lo inconsciente. Como ejemplo de lo comentado, encuentro apasionante la solución que Giacometti ha dado a la ruptura del clasicismo en su obra, su deseo de rechazar la mímesis, le lleva a la búsqueda de lo real a través de la influencia del arte étnico. La sustitución de lo vertical, que tiene connotaciones idealistas y místicas, por lo horizontal, que se encuentra en contacto directo con lo terrenal y lo real, es totalmente novedoso y, para mí, adictivo. Mas allá de libro, el expresionismo abstracto de Jackson Pollock y, especialmente el De Kooning donde se intuye un esbozo de arte figurativo en algunas de sus obras, y la metafísica de De Chirico me fascinan.

Los aspectos técnicos, como la composición, la relación figura-fondo, la perspectiva, la pérdida de la dimensión por lo plano, el valor dado al marco, si hablamos de un cuadro, la pérdida de los límites de la obra, el concepto de escultura y de arquitectura, también han evolucionado de forma radical gracias a las Vanguardias. Pero, no sólo los aspectos más técnicos han sufrido profundos cambios, también se pueden apreciar en la temática de las obras. Pero, en todo caso, aunque la existencia de un tema en la obra vanguardista está fuera de toda duda, es justo decir que en muchas ocasiones es difícil poder definirlo, a pesar de que en esa aparente irracionalidad impere la lógica y el orden. Por todo esto, es un arte difícil, cuya compresión no está al alcance de mucha gente, sólo las personas con un espíritu y una mentalidad abiertas a la innovación y al gusto por experimentar sensaciones nuevas pueden acceder, comprender y disfrutar del arte vanguardista. Pero aun así, creo que para llegar a ese punto de comprensión y disfrute es imprescindible conocer el autor y su obra, la manifestación artística a la que se le puede adscribir, y el espíritu de rebeldía que subyace bajo las Vanguardias; en caso contrario, el arte puede quedarse únicamente en  “decorativo”, tal y como insinúa Rosalind Krauss en su obra.  Sólo a través del conocimiento podremos comprender el significante y el significado de los elementos que componen la obra, incluso nos permitirá descifrar la función de alguno de ellos, considerados hasta ahora como inapreciables, por ejemplo la función del marco de los cuadros, el uso de elementos de deshecho y de recortes de periódico, el fotomontaje, la escritura automática en la obra literaria, entre otros. También es importante saber como descifrar los nuevos significados dados a objetos de uso cotidiano. Para una persona con prejuicios y desconocedora del porqué de las manifestaciones artísticas de las Vanguardias, es evidente, que disfrutará más con una obra por ejemplo de Miguel Ángel, porque en este caso, para apreciar la belleza no es necesario comprender los posibles símbolos o manifestaciones más ocultas de poder inherentes a la misma, es más fácil valorar todo aquello que es identificable con la realidad que nos rodea, y buscar la belleza en la mayor aproximación de la obra a un mundo pasado o presente.

Otro aspecto relacionado con el espectador del arte del siglo xx es la oposición frontal de las Vanguardias a los valores burgueses que encarnan, lo que les lleva a esa ruptura con la utilidad del arte. En el siglo xix la burguesía accedió por primera vez al arte de forma masiva y se convirtió en un negocio. En la actualidad, también nos podemos encontrar con una situación similar, debido a que el arte se ha convertido en un objeto muy apreciado de negocio, lo que lleva a que, tal vez, ni siquiera los compradores sean auténticos mecenas y coleccionistas de arte, sino más bien inversores financieros, que ven la obra como un mero y aparente negocio. Y a un nivel más asequible para la mayoría de la gente, lo que se aprecia es que las galerías de arte son las que mueven el negocio, y no sólo eso, sino que pueden potenciar, según sus intereses, a un autor u otro, a un estilo u otro, pasando a un segundo plano la calidad artística en favor de lo más comercial, así juegan con la falta de criterio de una buena parte de los compradores. Pero, por otra parte, no todo tiene que ser negativo, también es señal de que el acceso al arte se ha democratizado, y su adquisición se ha podido extender a unas clases medias con un mayor nivel de formación, aunque no siempre sea en arte, y que ven su compra un objeto de distinción social y de equiparación con las clases privilegiadas que anteriormente eran las únicas que se lo podían permitir. De todas formas, esta posición de rebeldía y de crítica a los valores burgueses sirvió para que este arte pudiese ser introducido en el suculento mercado del arte, y que hubiese importantes mecenas y compradores dispuestos a pagar mucho dinero por sus obras.

Es interesante el hecho de como los surrealistas otorgaron al arte de la fotografía su equiparación con la escritura automática, como la convirtieron en una forma de manifestación estética inconsciente, a pesar de ser un medio de reflejo de la realidad que supera la óptica humana por su perfección, le dieron una significación distinta a lo que vemos. Reconozco que antes de conocer las posibilidades de la fotografía, era un tanto escéptico con respecto a su capacidad de producir arte, precisamente por la facilidad de la aplicación técnica en comparación con las artes más tradicionales; pero hay que rendirse a la evidencia. Después de haber visto obras de Man Ray y de Marcel Duchamp es evidente que la fotografía puede usarse como medio para manifestar algo más que la realidad que nos rodea, bien desde un punto de vista de lo inconsciente, o incluso de lo racional, pero con un significado distinto a la mera representación. Además, el papel de las fotografía son elementos básicos del collage, de gran simbología tanto si queremos representar un mundo real como inconsciente.

Las reflexiones realizadas por Rosalind Krauss al hablar de la obra de Rodin sobre la producción y la reproducción, el si es una copia o estamos antes un original, en el caso de hacer una obra cuando el autor está muerto a partir de unas matrices originales me parecen interesantes. Considero además que más allá de aspectos legales, lo que para mi es fundamental son los aspectos éticos, y ya no sólo haciendo referencia a la obra de Rodin y su legado, sino también nos podemos encontrar con la misma duda cuando se usan las planchas originales de cobre, madera, zinc, para la estampación de grabados, o los negativos de la fotografía. En estos casos, tanto al admirar, como al adquirir, una obra de estas características, creo que hay que ser conscientes de que no es lo mismo que admirar y comprar un original acabado en vida del autor, realizado en un contexto cultural determinado, con unos materiales y utilizando unas técnicas propias de esa época. No vale todo, aunque el negocio sea demasiado tentador, además esa reproducción excesiva devalúa un tanto la obra del autor. De todas formas no quiero decir con esto que no pueda existir, por ejemplo, en el caso del grabado, más de un edición impresa en su período, sin que por ello dejemos de hablar de la misma obra, aunque siempre se valorará más la primera edición. Por tanto, la afirmación de la existencia de lo “múltiple sin original”, para mi no tiene ningún sentido, hay que encontrarse con un original, y luego a partir de aquí será posible realizar reproducciones del mismo. En cuanto al problema que se pueda plantear sobre los grandes ciclos pictóricos donde se puede poner en duda la autoría al colaborar diferentes artistas pertenecientes al mismo taller, coincido plenamente con la autora, son obras perfectamente identificables y mantienen una unidad interna que no deja lugar a dudas a pesar de que sean diferentes manos las que hayan trabajado en su acabado.